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大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于国画绘画技巧直播的问题，于是小编就整理了4个相关介绍国画绘画技巧直播的解答，让我们一起看看吧。

1. 跟着国画老师画画毛都学不到怎么办？
2. 国画如何上色步骤？
3. 怎样才能把国画、水墨画，画的像油画一样美？
4. 中国画讲程式，但不必过于程式化，对此你怎么看？

跟着国画老师画画毛都学不到怎么办？

很多东西不要刻意模仿的去做，各行各业各自专长不代表每个人都适用，很多东西就算有心想学有时也是学不会，不要盲目听从水滴石穿什么的，有些东西该放弃就放弃，不是什么东西都可以拿时间来***。

其实要想学国画，不必要特意去拜师学艺。国画大师陆俨少在回忆录里，讲述过他学国画的经历。他是在十几岁的时候，见到一本《芥子园》画谱。从此，开始临摹学习。临摹一段时期，再请教一些画师。大画家齐白石也介绍了他学国画的经历，齐白石讲他是五十多岁，才开始学习国画，也是从临摹《芥子园》画谱入门。当然不管是拜师，还是自学。都需要一定时间的打磨。此外，还需要练毛笔字（陆俨少语）。当然要想成为一位画家，那还需要文化的积淀。如阅读大量的古文、诗词、美学等书籍。

只能说你没有找对老师，现在不少带学生的所谓老师，其实是半罐水，自己都画不出幅好画来，大娃娃带小娃娃，滚得一身稀泥巴，先得考查老师的作品，如果一来就是牡丹写意，梅兰竹菊那些东西，就祘了吧，老年大学的水平不如自修自学，还免得念歪了正经

不会吧？如果你说的是实情的话，可能存在两方面的问题:一，你听课和练笔没往心里去，所以不得要领，画不成！二，是老师的问题，“教不好，师之惰”我是说教学方法可能不得当，因才施教很重要！这两点基本囊括了你“没学到毛的原因”。你换不换老师纯属你个人的事情。今天在这里本某不才，但我有信心让你学到几根“毛”，按步骤就是了——放心不收分文！1.准备生宣纸两张把图1所示“侧峰、中峰”练好，再画淡墨、浓墨。练十几遍之后再按图2把笔墨刮干一些，构山山石轮廓，构好后，再把笔沾干一些，皴出细纹，要顺着山石由下往上皴……好了，你慢慢练，学会了就发私信让我看一下。愿你收获更多！

学国画和油画有根本的不同。油画偏重于技术，有天赋的画家少年时就可以成名，比如拉斐尔、委拉斯贵支等；但中国水墨讲究学养的积累，以神御形，不到五六十岁难以登堂入室。所以想画画在技法锤炼的基础上，要注重学养的积累。

再者，看学国画一定要找一个会教学的老师且他的作品是传统中国画路子才可以，有的老师画的好但不会教导别人学习，还有毕竟现在市面上行画还挺多的，不懂的人可能看着很好看，但那些画都是皮囊。

国画如何上色步骤？

在传统中国画绘画创作中，有多种传统绘画技法比如勾、皴、擦、染、点、撞水、撞色、撞墨、积墨、积色等仍为现代画家所用。

其中勾、皴、擦、染、点等可以说是最为基础的技法，下面就国画技法染法进行讲解。

“染”则是同时用色笔和水笔，先着色笔，再用水笔把颜色烘染开，使其色调渐淡或渐浓的笔法，一般有四种不同的染法：套染、点染、罩染、接染。

水墨画***用勾、皴、擦、点、染等基本技法上色。勾是用毛笔在生宣纸上勾线，皴是勾出形的基础内，用不同形态的点、线、面进一步画出形态的肌理和凹凸变化。擦是皴后的基础上，用干笔侧锋擦出肌理的粗糙、平滑质感，点是用不同形态的点，点出物象上附属物体抽象感受，染是用不同的淡墨大笔罩染出物象黑白和明暗的色彩特征。

怎样才能把国画、水墨画，画的像油画一样美？

把国画画成油画或者画得有油画的味道恐怕很难，因受材料的限制。相反把油画画成国画的味道倒是可以，也比较容易做到，而且画出来的国画意境独具一格，不失水墨韵味。

将西画与中国画融入一体来画是一个大胆的尝试，极富创意。典型代表有吴冠中、张冬峰。他们用油画的材料和工具将油画画出了国画味道和意境，非常美。可谓是在中国式油画的探索道路上迈出了可喜的一步。这种完全中国化中国味道的油画要想得到世界的认可恐怕还有很长的路要走。

前题是绘画基本功扎实，对各种色彩的材料使用功能，了解的到位，不会画油画没有关系，丙烯颜料广告色，学会搭配，相得益彰，相互利用，恰到好处，学会各种机理，各种手段，使[_a***_]有视觉冲击力，2020年是网络时代，***用图片移图搬山，天下画大家抄，你抄的合理就是你的。
在有吸收外国印象派画家的内容，什么体裁适合你，画自己熟悉的，说多少还是靠自己，希望能对你有所启发。
祝你成功！图季玉梅原创水墨画。

想把国画，水墨画，画的和油画一样美，你这个想法有点跑偏了，因为这两大体系美的标准是不同的。

众所周知，整个绘画体系分为两个大类，中国画和西画。这两大体系都具有自己鲜明的特点。

西画是以油画为主的，而中国画却是以水墨画为最主要的。

西画和中国绘画在内容形式上是有非常大的区别的，想把西画化画成中国化画或者想把中国画画成西画都是对这两大体系的一种误会。

因为中国画的材料和工具以与西方油画着非常大的差别，在技法上与绘画原理方面也和油画完全不同。

想把这两种绘画体系互相融合，互相借鉴的想法是好的，但是要把国画画的像油画那样，就会导致不伦不类，画虎不成反类犬。失去了中国画特有的韵味。

那么，什么是中国话特有的韵味呢？

油画的色彩浓烈，鲜艳，色彩丰富，能够最大限度的表现自然界真实的形象。比如，拉斐尔的圣母、美神、天使等形象，都极尽可能接近生活中的真实，而现在的超现实绘画几乎就是照片的翻版，其色彩运用能达到生活中完全的逼真程度。

但是中国画却绝无可能有这种可能。中国画常用的颜色只有十二种，现在的颜色算多了，但是从根本上来说，真正画家所用的颜色也仅仅只有七八种，但是即使这七八种颜色也几乎很少用，一般来说就是用黑白两种，也就是说中国画的极致就是水墨画。

中国画追求那种特有的水墨淡彩特征，这是由中国画的本质要求所决定的。

首先，国画、水墨画是中国的传统绘画形式。它是用毛笔蘸墨、国画颜料在宣纸、绢上作画。绘画技法也分为工笔与写意，讲究线条与意境的表达。尤其是山水画，运用勾、皴、染、点等表现手法以及构图布局的疏密，借景抒情，托物言志，大开大和，非常符合中国人的审美标准与人文表达。而油画是西方的主要绘画形式之一。它是用植物油调和颜料，用油画笔画在亚麻布、木板等材质上。油画颜料具有很强的覆盖力和表现力，便于很深入的描绘对象，从而达到强烈的写实效果。油画强调光影效果以及色彩冷暖的表达，对绘画造型能力也有很高的要求。其人物画中，对人体的结构，肌肉解剖等研究都有极深的造诣。由此看来，中国画与油画既有各自特点，又有它们的共通之处，那就是都讲究人与人、人与自然的的和谐共生，并都能记录当时的社会发展状况。至于要把国画画的像油画一样美，我的理解是你想突出写实性与立体效果，这对国画来说虽然有点勉为其难，但也还是可以尝试的。

怎么才能把国画，水墨画，画的像油画一样美。你好我是艺术领域的歌的舞姿带来信心。我来给你叙述…第一先看看国画。国画有山水画的组成，包括：山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬。、山水的组成。小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强；后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说：“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”元代汤垕说：“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有二赵（伯驹、伯骕），以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。

　　二◆ 浅绛山水

　　 蔡彦才浅绛山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。

　　三◆ 金碧山水

　　中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。但明代唐志契《绘事微言》中另持一说：“盖金碧者：石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也！”

这三个是国画！国画都是山水画…

水墨画…指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。

这三个是水墨画

这三个是油画

国画，水墨画，油画这三种画对比一下看看哪种好看…油画的是植物油调和颜料，在制作过底子的布、纸、木板等材料上塑造艺术形象的绘画。它起源并发展于欧洲，到近代成为世界性的重要画种。油画的产生15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画是油画的前 身。在运用蛋彩画法的同时，许多画家继续寻找更为理 想的调和剂。在前人尝试用油溶 解颜料的基础上,用亚麻油和核桃油作为调和剂作画,致使描绘流畅。国画，水墨画，油画这三种画，颜料有所不同。

中国画讲程式，但不必过于程式化，对此你怎么看？

“中国画讲程式，但不必过于程式化”，我认为这个观点是对的。这里的“程式”是指学习中国画绘画的基本规范和技法等。

我们知道，学习讲求循序渐进，不管学习何种科目，只有掌握扎实的基础，才能登堂入室。中国画作为作为东方绘画的代表和典范，在世界绘画艺术画廊里占有极为崇高的地位，其艺术魅力光耀世界。

中国画，有着悠久的历史，历朝历代都有杰出的画家。这些杰出的画家，他们的作品在世界艺术史上光辉灿烂，他们的创作，都是在学习前人绘画技法等基础上不断寻求自已的艺术创新之路，形成自己独特的艺术风格。并且，这些画家不但作画，还著书立说，总结自己的绘画实践，提出了很多著名的绘画理论。

记得早年在阅读中看到有一本书称《芥子园画谱》，是中国画入门的范本。今年逛书店看到《芥子园画谱（精华）》本，就买了一本。我不画画，但闲来看看也蛮有意思。

这是清康熙年间刊行的一部著名画谱，它系统地介绍了中国画的基本技法，提供了从用笔、写形到构图等多方面的详尽指导，对中国画初学者帮助颇大，至今，300多年来一直风行于中国画坛，许多成名的艺术家，如近现代画坛名家黄宾虹、齐白石、潘天佑，傅抱石等，都曾以《芥子园画谱》作为学习范本。

显然，《芥子园画谱》所介绍的中国画的基本技法，以及从走笔、写形到构图的指导，就是指“程式”。那么，“中国画讲程式”就是说要掌握基本技法，走笔写形构图有章可循。

尽然，“中国画讲程式”，但不能囿于程式。如果只讲程式，那么中国画也就没有创新和发展，也就没有名家辈出，也就没有中国画作品的精彩纷呈。

如前面提到的黄宾虹、齐白石䓁名家，他们就是掌握了中国画的基术技法，有扎实的绘画基础，并在此基础上，突破“程式”，在绘画技艺上有自己独特的创造，有自已的独特画法，也就形成自己了独特的艺术风格，这就是“不过于程式化”。

比如我们熟知的徐悲鸿，善画马，他的《奔马图》闻名天下，所画马形态各异，栩栩如生。据说他的画马的技法有传承宋代画家李公鳞的画马特点，而他画的马又不同于李公鳞画的马。显然徐悲鸿有学习前人的“程式”，但又不拘于前人“程式”，有自已的独特创造，自然也就有了他的独树一帜的风格。

中国画艺术博大精深，是我国艺术天地中的瑰宝之一，是东方绘画艺术的“名片”，有着其无穷的艺术魅力。文化艺术的发展，离不开传承，中国画作为高雅的艺术，更是如此。所以，中国画讲程式，但不过于程式化。

“没有规矩不成方圆”，既然是成体系的知识就必然有法度。那些天天喊着变法的、创新的都没搞清楚一门艺术的“法度”是什么，是建立在什么基础之上的变。

“程式”肯定要有，没有驾驭基础技法的能力等于“意淫”。今天的变都变了什么？是“无笔墨”的描与染还是“杂交”过的素描水墨？有法度的，讲程式化的临习前人，“迂腐”也好“泥古”也罢，但都在传承前人。今天的传承靠谁，传承什么？就靠学院里的帮派的“艺术”？还是那些笔墨基本功都没有的“伪***”？

这个问题我觉得应该“一分为二”地来谈。

一、如果你的中国画功底不是很深厚，那么，你不按照“程式化”的路子走，你的中国画水平就不可能有所提高。

中国画从东晋顾恺之开始到今天，经过近两千年历代画家们的不断发展，已经形成了一套具有严格“程式化”标准的法则。比如：画女人的衣服时，使用“高古游丝描”或者“春蝉吐丝描”等等；画南方的山水，用“披麻皴”或者“米点皴”；画北方的山水用“斧劈皴”或者“折带皴”等等。再比如：工笔画讲究工整细致、毫发入微等等；而水墨画讲究：笔墨淋漓、墨分“五彩”等等。

这些“程式化”的标准，对于初学或者初中级水平的中国画爱好者来说，是必须要深入学习的。比如：你画人物画，就要先把“十八描”学好，你画山水画，就要先去学习二十多种皴法，去练习《芥子园画谱》；你画花鸟画，就要把梅、兰、竹、菊的基本功先练扎实等等。如果没有这些“程式化”的基本功训练，自己去瞎琢磨，就好比“盲人摸象”——乱撞，甚至会闹出笑话。

二、如果你的中国画水平达到了一定的高度，那么，你就不能躺在老祖宗的“程式化”上面睡大觉，必须从“程式化”中走开，去寻求突破和创新。

西方绘画，经过几百年的发展以后，许多人开始从古典绘画中寻求突破，才出现了以后的“印象派”、“立体派”、“野兽派”。到了十九世纪末二十世纪初，更是出现了诸如：抽象主义画派、构成主义、超现实主义者、表现主义、未来主义、达达派、波普艺术和行为艺术等等多种画派。

中国画家们也不甘寂寞，刘海粟、徐悲鸿、李可染、陆俨少等画家们，一改中国画的“程式化”，即人物画的“线描”和山水画的“皴法”，用西洋画的素描（“黑白灰”）代替了传统的皴法，将透视法则（成角***、平行***和空气***），弥补了中国画只有“散点***”的不足，并运用到中国画的创作之中，为中国画的“现代化”作出了巨大的贡献。今天，仍然有许多中国画家，甚至中国画爱好者，也在创新的道路上不断地进行探索。

因此，如果你是一个有造诣的中国画家，或者爱好者，希望你能在中国画的改变和创新上多动脑筋，为中国画的明天再创辉煌！

就写这么多了，一家之言，水平有限。请高人指正。谢谢你辛苦地阅读。

（文中图片来自网络）

首先，第一个程式是指规范。步骤清晰，总不能油画布，铅笔去画国画。

第二，程式指固定的技法，例如“双钩”“没骨”“皴”等等，都是因循前人传统，恪守法则，写意与意境等等都是绘画的基础与根基。

最后，不必过于程式化的意思是，你要站在传统的基础上，不断推陈出新，拥有自己的创意。

历代优秀的绘画者，无论中西，都是继承和发扬前人，并开拓自己新派别，新风尚，独树一帜的人。中国画也不例外。如果没有前人一点点突破和尝试进取，就不会有异彩纷呈，万千“各领***数百年”的作品留存下来，让我们欣赏更多别致的精彩了。

就像张大千***的作品，晚年后期也是参悟了西方油画的技法，最终创新出泼彩新技法。

最后套用龚自珍的诗:

“我劝天公重抖擞，不拘一格降人材”。

愿“别具一格”，继续成为中国画迈向更加百花齐放，万象争春之美的又一程山水。

对于这个问题所呈现的观点，其实是多角度的阐述中国画的深层内蕴。我们知道，中国画中的程式语言是历代作画者在对生活长期实践积累、提炼的基础上创造出的艺术语言。它是中国绘画成熟的标志，也是中国画发展到一定高度的笔墨表达和艺术符号的标志。

程式化，是指某种形式在长期的使用过程中形成的固有模式。例如，戏曲表演讲究唱、念、做、打，这是戏曲的基本训练，其中每一项都有承袭已久的固有表演程式，且是具有规范性的。

中国画也是如此，前人归纳其中的章法、分类，然后加以名称，以示后人学习的典范。如关于线描总结的“十八描”；笔法中勾、勒、皴、擦、染、点；用笔法分中锋用笔、侧锋用笔、顺锋用笔、逆锋用笔等；皴法有斧劈皴、卷云皴、解索皴、披麻皴等等。程式化的绘画创作，基本方法就是将各种固定物象部件***用历代总结的程式化的技法手段组合、排列，给予生动的视觉呈现。

中国绘画艺术受到老庄思想的影响而贯穿于中国画的始终，注重感性、意象。所以，中国人对客观事物的观望最终是要回归自身主观的内心世界的，这个内心主观构建的家园更加高尚与真实。从古至今，中国画的程式演变就是具有个人特色又最富内在情感的语言所推进的，如“马一角”、“夏半边”的构图方式，如徐渭的泼墨写意，如齐白石的用墨设色。

还有，山水画中的“皴法”。它忽略事物存在的体积感和质感，将之抽象为单纯的面，即线的组合。作画者需要不断整合、调整表达他所感到的世界，创造最能传递他的主观本真心意的个性化的程式表达。因而，中国画的程式是非常重要的，其包含了中国画传统的笔墨规律。

到此，以上就是小编对于国画绘画技巧直播的问题就介绍到这了，希望介绍关于国画绘画技巧直播的4点解答对大家有用。